Kunst ist eine sehr vielfältige und ausdrucksstarke Form der menschlichen Kommunikation und existiert seit Tausenden von Jahren. Die Kunst hat sich in vielerlei Hinsicht weiterentwickelt und verändert, von Höhlenmalereien bis zur Mona Lisa. Künstler verwenden unterschiedliche Medien, um ihre Ideen, Gedanken und Erfahrungen trotz unterschiedlicher Trends, Stile und Ausdrucksformen zu übermitteln. Es kann einschüchternd sein, etwas über Kunstbegriffe zu lernen, und manchmal ist es schwierig, sie zu verstehen. Dies ist eine Liste, die Sie verwenden können, um Ihr Verständnis von Kunstbegriffen in Ihrem Studienbereich zu verbessern.
Es macht viel Spaß, Kunstbegriffe zu verwenden, und die meisten Leute bemerken es nicht einmal, wenn Sie sie sagen. Kunstbegriffe können ein paar Emotionen, Verwirrung, Neugier und Trost hervorrufen. Viele Menschen fühlen sich von diesen Worten eingeschüchtert, weil sie sie nicht verstehen oder sie für ihren eigenen Geschmack für zu künstlerisch halten. Aber als Künstler müssen Sie lernen, diese Begriffe anzunehmen, um Ihre Ideen selbstbewusst auszudrücken. Um Ihnen dabei zu helfen, die leere Leinwand der Verwirrung zu überwinden, haben wir diese Liste mit Kunstbegriffen zusammengestellt, um die kreativen Säfte zum Fließen zu bringen.
Kunst ist die visuelle Darstellung von Gedanken, Gefühlen, Emotionen und Geschichten. Die Verwendung von Kunst und kreativem Ausdruck in verschiedenen Epochen hat sich im Laufe der Jahrhunderte drastisch entwickelt. Künstler konnten die Welt aus einer anderen Perspektive sehen. Der Kunstbegriff umfasst alle Formen der bildenden Kunst. Nachfolgend finden Sie eine 25-Wörter-Liste von Begriffen, die häufig in der Kunst verwendet werden. Lass uns anfangen.
1. Abstraktion
Sommaire
Abstraktion ist Kunst, die viel Abstraktion verwendet. Innerhalb der bildenden Kunst bezieht sich Abstraktion auf jede Bildsprache, die nicht darauf abzielt, ein vorhandenes Objekt darzustellen, wobei der Mangel an Realismus einen besonderen Reiz ausübt. Dies kann durch Maßstab, Farb- und Linienqualität sowie Inhalt (dh Motive werden vereinfacht und ornamental gezeichnet) erreicht werden.
Abstraktion ist der Prozess des Extrahierens oder Wegziehens, um Komplexität zu entfernen und die grundlegende Essenz von etwas auszudrücken. Der Kunstbegriff Abstraktion bezieht sich darauf, etwas Abstraktes zu machen (das Entfernen charakteristischer Merkmale, nur Allgemeinheiten). Es bezieht sich allgemein auf eine Kunstbewegung, die versucht, Bilder zu schaffen, die eine wesentliche Qualität oder Bedeutung vermitteln.
Abstraktion ist eine Malerei, die um die Abwesenheit von Objekten herum strukturiert ist oder deren Präsenz nur durch Farbe oder Form angedeutet wird. Abstraktion ist eine Möglichkeit für Künstler zu zeigen, dass sie darum kämpfen, das Thema auf seine Essenz zu reduzieren. Abstraktion war im 20. Jahrhundert eine beliebte Kunstform. Die Abstraktion erlebte ihre Blütezeit, als Künstler Formen vereinfachten, stilisierten oder destillierten, um sie von der realen Welt abzuheben.
2. Alla Prima
Auf den ersten Blick bezieht sich Alla prima auf den italienischen Begriff für Kunst. Es ist aber auch ein Begriff, der das Malen mit Ölfarben und Pinseln beschreibt. Alla prima, oder AP, ist, wenn ein Künstler mit nur einer Farbschicht malt, die direkt aus der Tube oder dem Pinsel auf die Leinwand aufgetragen wird. Dies kann übersetzt werden im ersten Stil oder im ersten Versuch. Das bedeutet, dass der Künstler ohne Vorzeichnung malt und alle Figuren, Objekte usw. in einer Sitzung malt, ohne zu irgendeinem Teil zurückzukehren.
Ein Nass-in-Nass-Malen ist eine Alla-prima-Maltechnik, bei der der Künstler in einer Sitzung malt. Der Künstler muss schnell und entschlossen arbeiten, um sicherzustellen, dass die Oberflächenfarbe nicht trocknet. Diese Art der Malerei ähnelt der direkten Malerei mit kühnen, ausdrucksstarken und malerischen Ergebnissen.
3. Allegorie
Allegorische Malerei ist eine der bekanntesten und anerkanntesten Kunstformen. Allegorische Malerei ist ein Stil, der bestimmte Objekte oder Personen in eine Illustration einbezieht, um eine Botschaft oder Geschichte zu kommunizieren. Obwohl diese Bilder visuelle Symbolik enthalten, sind sie oft nicht schwer zu verstehen.
Die Griechen haben den Begriff Allegorie erfunden: Allegoria ist griechisch für übertragen und algere für tragen oder bringen. Eine Allegorie ist eine Geschichte, in der reale Dinge für Ideen oder Qualitäten stehen. Eine Tierfabel ist eine Geschichte, die Tiere verwendet, um menschliche Eigenschaften zu veranschaulichen. Eine Form der abstrakten Kunst, die inspiriert, indem sie Moral oder Tugend durch Darstellungen ausdrückt, kann als Tierfabel bezeichnet werden. Die Handlung ist nicht das einzige, was die Allegorie mitteilt. Es verwendet oft die Werkzeuge der Übertreibung oder Personifizierung, um lebendige Bilder in den Köpfen des Publikums zu erzeugen.
4. Aneignung
Aneignung bezieht sich auf die Verwendung eines Objekts oder Bildes ohne Änderungen, um ein neues Stück zu schaffen. Die ursprüngliche Idee wird normalerweise ohne Erlaubnis der Person, die sie entwickelt hat, abgezockt. So entsteht ein neues Kunstwerk, indem das alte Werk neu kontextualisiert wird.
Aneignung bezieht sich auf die Praxis, bereits vorhandene Arbeit zu übernehmen und sie zu modifizieren, wiederzuverwenden oder zu recyceln. Es ist eine Form der kulturellen Entlehnung. Es leitet sich vom lateinischen Verb „apppropriare“ ab, was „sich zu eigen machen“ bedeutet.
Die Kunstwelt ist in der Frage der zulässigen Aneignung gespalten. Anwälte und Künstler streiten seit Jahrhunderten über die Grenzen zwischen dem Zitieren und dem Riffing von Werken. Appropriation ist eine umstrittene Kunstbewegung, die in den 1960er Jahren entstand. Durch ihre Kreationen forderte eine Gruppe von Künstlern Konventionen heraus und definierte Kunst. Das war ein innovatives Konzept.
5. Pinselführung
Ein Pinsel ist das, was ein Gemälde erschafft. Um Farbe zu handhaben und aufzutragen, haben Künstler im Laufe der Zeit eine Vielzahl von Pinseltechniken verwendet, darunter Ziehen, Verwischen und Tupfen. Es bezieht sich darauf, wie Linien gezeichnet werden, zusätzlich zu ihrer Größe, Form und Textur.
In der Kunst ist der Pinselstrich das Auftragen von Farbe. Brushwork kann auf jede Maltechnik angewendet werden. Pinsel sind vielseitig einsetzbar und gelten als unverzichtbares Werkzeug für den Malstil.
6. Hell-Dunkel
Chiaroscuro (ein italienischer Begriff, der hell-dunkel bedeutet) ist eine Kunsttechnik. In dreidimensionalen Modellen erzeugt der Künstler starke tonale Hell-Dunkel-Kontraste. Normalerweise erfolgt die Abschattung durch Blockieren der Lichtquelle. Im Prinzip ist der beste Weg, um einer Form Festigkeit zu verleihen, Licht darauf fallen zu lassen. Leonardo da Vinci und Rembrandt gehörten zu den Erfindern dieser Technik. Heute ist der Begriff etwas enger gefasst als Technik: Im zeitgenössischen Sprachgebrauch meint er Kunst, die durch starke Hell-Dunkel-Kontraste Formen formt.
7. Farbtheorie
Bildende Künstler betrachten die Farblehre als wesentlichen Bestandteil. Die Farbtheorie ist eine Studie darüber, wie sich verschiedene Farben miteinander verbinden. Jede Farbe kann separat oder in Kombination verwendet werden, um Kunst zu schaffen.
Die Kunst, Farben harmonisch einzusetzen, nennt man Farbtheorie. Auf diese Weise können Sie eine Stimmung, ein Gefühl oder einen Ton erzeugen. Designer arbeiten oft mit der Farbtheorie, um sicherzustellen, dass ihre Designs bestimmte Menschen mit einem guten ästhetischen Verständnis ansprechen.
8. Zusammensetzung
Das lateinische Wort Komposition bedeutet „zusammensetzen“. Eine Komposition ist ein Kunstwerk, das aus vielen Teilen besteht. Es kann in jedem Medium der bildenden Kunst sein.
Komposition ist die Platzierung oder Anordnung visueller Elemente oder Stränge in einem Kunstwerk. Dies kann die Art und Weise umfassen, wie Farben, Formen und Linien innerhalb der Arbeit miteinander interagieren und wie sich diese Elemente auf das Motiv und den Hintergrund beziehen. Der Begriff Komposition kann auch breiter verwendet werden, um neben Linie, Ton und Textur sowohl Farbe als auch Form zu umfassen, oder man könnte sogar sagen, dass es bei der Komposition nur um Skalierung in Bezug auf räumliche Beziehungen geht.
9. Kontrapost
Contrapposto ist eine Figurskulpturposition, bei der das Körpergewicht auf einem Bein ruht, während das andere Bein entspannt und leicht gestreckt ist. Dies kann verwendet werden, um sowohl die Position einer einzelnen menschlichen Figur als auch die einer Gruppe zu beschreiben. Es ist leicht zu merken, dass Con für Con steht, was bedeutet, dass diese Pose entweder gegen oder gegen sein kann. Der Pfosten bezieht sich darauf, gegen etwas zu sein, z. B. gegen eine Wand.
Contrapposto ist eine übermäßige Muskelspannung in den gegenüberliegenden Bein- und Armmuskeln, so dass ein visueller Ausdruck von Contrapposto entsteht. Die Spannung erzeugt die Illusion, dass der gesamte Körper von einem Bein getragen wird. Der Körper wird durch das linke Bein nach vorne gedrückt, während das Gewicht des hinteren Beins auf das vordere verlagert wird. Dadurch entsteht eine Art Diagonale zwischen der hinteren Kette (der Rückseite) beider Beine.
10. Verzerrung
Ein Zustand, bei dem Objekte unregelmäßig erscheinen oder ihre Form aufgrund von Druck oder Kraft verändert haben, wird als Verzerrung bezeichnet. In der Kunst gibt es verschiedene Arten von Verzerrungen. Sie können sie zur Hervorhebung verwenden, indem Sie ein Objekt anders aussehen lassen als seine Größe oder Form, wie ein Kunstwerk, das der Schwerkraft trotzt. In der bildenden Kunst wird die Verzerrung am häufigsten verwendet, um ein bestimmtes Objekt innerhalb einer Szene hervorzuheben, das als Brennpunkt verwendet werden kann. Die häufigste Form der Verzerrung ist die Verkürzung.
Verzerrung ist eine der am weitesten verbreiteten und wichtigsten künstlerischen Techniken.
Es kann helfen, ein Bild emotionaler zu machen oder ein Gefühl von Bewegung zu erzeugen. Verzerrung ist die absichtliche Veränderung eines Bildes, um es unerwartet zu machen.
11. Bildende Kunst
Figurative Kunst wird auch als darstellende Kunst bezeichnet. Es kann Stillleben, Landschaften und Porträts enthalten. Figurative Kunst umfasst alles, was wir jeden Tag sehen. Repräsentationskunst umfasst auch eine breite Palette von Stilen, da sie auch nicht-realistische Repräsentationen umfasst, was der eigentlichen Bedeutung dieser Art von bildender Kunst widerspricht, bei der Realismus fast ein Muss ist.
12. Gattung
Genre bezieht sich auf die Kategorie oder Art der Kunst, wie Landschaftsmalerei, Porträtskulptur und Mosaik. Der Hauptunterschied zwischen den Stilen ist ihr Fokus. Zum Beispiel könnte ein Genre Realismus als Hauptmerkmal haben, während ein Stil Expressionismus haben könnte.
Genre für Kunst ist für viele schwierig, aber mit dem richtigen Jargon und der richtigen Satzstruktur kann es relativ einfach sein. Genre ist eine Sammlung von Werken, die bestimmte gemeinsame Merkmale aufweisen. Einige Genres haben harte Grenzen und andere haben elastische Grenzen, was es schwierig macht, eine Hierarchie von Genres zu erstellen.
13. Verglasung
Lasieren ist eine Technik, die in der Malerei verwendet wird, um Schichten übereinander zu lasieren. Auf diese Weise können Sie Farben, Werte und/oder Texturen dämpfen oder ändern. Dies verleiht Gemälden Tiefe und Transparenz. Glasieren bedeutet, ein Gemälde mit einer halbdurchsichtigen oder transparenten Zubereitung zu bedecken.
Lasieren ist eine Technik, die verwendet wird, um dünne Schichten derselben Farbe auf Leinwand oder eine andere Oberfläche zu malen. Um eine gleichmäßige Beschichtung zu bilden, müssen die Schichten zwischen jedem Auftragen trocknen. Das Lasieren unterscheidet sich von pastos und lasierend dadurch, dass mehrere sehr dünne Schichten aufgemalt werden und nicht eine dickere Schicht.
14. Impressionismus
Der Impressionismus ist ein Malstil, der konsistente Pinselstriche und Farben verwendet, um den Eindruck einer Szene oder Emotion zu vermitteln, anstatt die Realität oder Details genau darzustellen.
Der Impressionismus war die erste moderne Kunstbewegung und wurde aus einer neuen Philosophie über Subjektivität geboren. Es war eine Avantgarde-Bewegung in den späten 1800er Jahren. Es zeigte Lichtstudien und sichtbare Pinselstriche. Auch Pastellfarben wurden verwendet.
15. Gemischte Medien
Mixed Media ist die Verwendung mehrerer Medien in einem Kunstwerk. Es ist eine Kunsttechnik. Mixed-Media-Kunstwerke können Malerei, Zeichnung und Collage umfassen. Sie können auch als fotorealistische Werke fertiggestellt werden, die scheinbar echte Materialien verwenden. Mixed Media kann auch verwendet werden, um Objekte zu beschreiben, die aus verschiedenen natürlichen und/oder künstlichen Materialien bestehen. Mixed Media Art ist ein umgangssprachlicher Begriff, der sich auf experimentelle Arbeiten bezieht, die sich oft Konventionen widersetzen und sich an etablierte Medien halten.
Mixed Media ist ein Begriff, der verwendet wird, um zeitgenössische Kunst zu beschreiben. Es bezieht sich auf eine Vielzahl künstlerischer Praktiken, die zwei oder mehr Konzepte oder künstlerische Disziplinen kombinieren, um Kunst zu schaffen. Obwohl die Ursprünge von Mixed Media nicht bekannt sind, glauben die meisten Menschen, dass es bis in die 1960er Jahre zurückreicht.
16. Motiv
Das Motiv ist ein Schlüsselbegriff in der Kunst, der wiederkehrende Themen beschreibt. Motive können innerhalb von Kunstwerken oder in einem ganzen Werk wiederholt werden. Künstler wählen Motive als Grundlage für ihre Gemälde und Zeichnungen, ebenso wie Schriftsteller den Gegenstand ihres Schreibens wählen. Ein Motiv, das sich in einem Kunstwerk häufig wiederholt, ist der Hauptfokus dieses Stücks.
17. Perspektive
Perspektive ist die Technik, mit der die Illusion von Raum auf einer ebenen Fläche erzeugt wurde. Künstler verwenden es, um in ihrer Arbeit ein Gefühl von Tiefe und Distanz zu erzeugen und die Illusion von Bewegung zu erzeugen. Es ist ein komplexes Thema, aber eines, das Künstler verstehen müssen, um ihre Bilder dreidimensional erscheinen zu lassen.
18. Pleinair
Plein Air, ein französisches Wort, das Freiluft bedeutet, ist der französische Begriff. Dieser Begriff bezieht sich normalerweise auf das Malen im Freien. Dieser Begriff wird seit Jahrhunderten von Malern verwendet, die das Wesen und die Wetterbedingungen einer Landschaft einfangen möchten. Plein Air wurde Mitte des 19. Jahrhunderts zusammen mit dem Impressionismus entwickelt. Maler, die diesen Stil anwenden, malen oft im Freien oder an öffentlichen Orten wie Parks. Nordfrankreich und Belgien waren große Zentren der Freilichtmalerei.
19. Anteil
Bei der Erstellung von Kunstwerken ist die Proportion ein wichtiger Gesichtspunkt. Ohne Proportionen können die Dinge sehr seltsam aussehen. Es hilft, die Dinge realistischer und ausgewogener aussehen zu lassen, was Ihnen helfen kann, etwas mit Menschen oder Tieren oder irgendetwas anderem zu zeichnen, das keine feste Form oder Größe hat.
Proportionen beziehen sich normalerweise darauf, wie sich die Elemente einer visuellen Komposition zueinander und zum Raum um sie herum verhalten, oder auf den Vergleich der Größe eines Teils einer Sache in Bezug auf andere Teile.
20. Realismus
Realismus ist eine Bewegung in der bildenden Kunst, die ihren Ursprung in Frankreich hat. Jean-Franois Millet und Gustave Courbet waren die ersten, die es zum Leben erweckten. Realistische Künstler versuchten, mit bestimmten Techniken realistische Kunst zu schaffen. Um den Alltagsmenschen einzufangen, konzentrierten sie sich auch auf das ländliche Leben.
Im 19. Jahrhundert wurde der Realismus geboren, eine künstlerische Bewegung, die das wirkliche Leben und die Natur durch Kunst darstellte. Es ahmte die Fotografie nach und zeigte Menschen und Gegenstände in ihrer natürlichen Umgebung.
21. Sfumato
Sfumato ist ein Begriff, der eine Maltechnik beschreibt, die auf sanften Farbübergängen beruht. Sfumato, das italienische Wort für Rauch, ist die Grundlage für das charakteristische Gemälde, das wohl berühmteste aller Zeiten, die Mona Lisa.
Sfumato ist eine Maltechnik, die weiche und unscharfe Umrisse verwendet, um Figuren, Gesichter, Objekte und Szenen zu erstellen. Der Begriff kommt vom italienischen sfumare und bedeutet verdampfen. Wie schnell ein Objekt von einem Festkörper in ein Gas verdampft, bestimmt, wie lange es dauert, bis die Kanten allmählich verschwimmen. Es ist oft erfolgreich, ein Gefühl von Licht, Schatten oder Luftperspektive in einem Werk einzufangen.
22. Symbolik
Der Symbolismus war Ende des 19. Jahrhunderts eine europäische künstlerische Bewegung. Es war eine Reaktion gegen den Impressionismus und versuchte, ein Gefühl des Mysteriums hervorzurufen. Es ist eine Möglichkeit, eine Idee oder ein Bild durch die Verwendung von Symbolen auszudrücken. Ein Symbol kann alles darstellen, was eine Bedeutung hat. Symbole können beliebige Objekte, Personen oder Farben sein.
23. Textur
Jeder, der schon einmal durch eine Kunstgalerie oder ein Museum gegangen ist, wird die Textur wiedererkennen. Der Betrachter kann die vom Künstler geschaffenen Spezialeffekte sehen, wenn er Landschaften, Porträts oder Stillleben betrachtet. Einige bemalten ihre Oberflächen mit dicken Pigmenten, andere machten strukturelle Attribute mit Fasern und Mischtechniken zu einem integralen Bestandteil ihrer Kompositionen.
Die Textur eines Kunstwerks ist seine Oberflächenbeschaffenheit. Es bezieht sich auf die visuelle Wahrnehmung von Berührungen. Seine Hauptkomponente ist die taktile Komponente, die als glatt, rau oder hart, weich, grob oder fein beschrieben werden kann. Der Begriff Textur bezieht sich auf Arbeiten, die sich der materiellen Substanz in identischer Weise bedienen.
24. Trompe-loeil
Trompe loeil ist Teil der breiten Klasse visueller Illusionen, die als Wahrnehmungsverzerrungen bekannt sind. Die Trompe-loeil-Malerei verwendet realistische Bilder, um die Illusion zu erwecken, dass Objekte in drei Dimensionen existieren, obwohl sie nur zweidimensional sind.
25. Wert
Wie Farbton und Chroma ist der Wert einer der grundlegenden Aspekte der bildenden Kunst. Es ist der Unterschied zwischen zwei benachbarten Bereichen in Bezug auf Helligkeit oder Dunkelheit. Die relative Helligkeit oder Dunkelheit einer Farbe verleiht ihr ihr visuelles Interesse. Dies ist das Maß für den Raum, den dieser Bereich innerhalb der Komposition einnimmt. Mit anderen Worten, wie die größeren Formen den Raum im Gemälde oder in der Zeichnung ausfüllen, ist ein wichtiger Aspekt, der ihren Wert definiert.
Letzte Worte
Dies sind die Begriffe und Phrasen, die in der Kunst verwendet werden. Sie helfen, die Bedeutung der Kunst zu erklären, was auch immer es ist. Es ist wichtig, die Bedeutung von Kunstbegriffen zu verstehen, da die Schüler kein Kunstwerk ohne mündliche Erklärung verstehen können.
Als Grafikdesigner und Künstler sollten Sie sich mit den grundlegenden Terminologien vertraut machen, denn diese Wörter helfen Ihnen zu erklären, was Sie tun, indem Sie Geschäftskontakte zeichnen, die viral werden könnten. Wählen Sie die richtigen Worte, um sich selbst, Ihre Arbeit und Ihre Dienstleistungen zu beschreiben. Diese Liste mit Kunstbegriffen könnte auch Ihr Leitfaden sein, um Nicht-Künstlern oder Kunden ein Design-/Kunstkonzept zu erklären, damit sie es besser verstehen.
Tom ist ein Blogger und Künstler, der auch Technologie liebt. Er bloggt über die neuesten Entwicklungen in der Kunst und teilt seine Gedanken mit seinen Lesern darüber, wie es ist, heute Künstler zu sein. Tom ist seit seiner Kindheit von Technik fasziniert. Doch erst mit 13 Jahren wurde ihm klar, wie viel Spaß das Erstellen von Websites machen kann. Tom ist ein lebenslustiger, abenteuerlustiger, kreativer Typ. In seinem Blog rezensiert er Kunstprodukte und Technologie-Gadgets. Das tut er seit mehr als 5 Jahren. Man findet ihn am Strand, im Studio oder beim Erkunden neuer Gegenden.
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